Arabs brought their music to Spain, where it contributed to what we know today as Flamenco. Together, they present new musical ideas based on Middle Eastern and Flamenco music, with pieces, musical visions, that include Maqams, Andalusian harmonies and rhythms of the Middle East – from Babylon and Ancient Spain, to present rhythms.

About Ignacio Lusardi Monteverde:

Born and raised in Buenos Aires, into an Argentinian/Italian family, Ignacio started playing the guitar aged six. Inspired by his cultural surroundings, he played with his siblings as a family pastime, learning Argentinian folk songs and tango music.

His passion for flamenco started, aged nine, when he discovered the works of the Spanish flamenco guitarist Paco de Lucia. His desire to pursue the flamenco genre eventually took him to London in 2013, where he became musically connected with Spain and the rest of the world.

Ignacio is now an acclaimed London-based flamenco guitarist, producer and recording engineer. He graduated as a choir master at Buenos Aires Conservatoire in 2013, and has since collaborated with several performers including Ahmed Mukhtar, Baluji Shrivastav OBE and Eduardo Niebla. He has featured in live appearances at BBC Radio 3, London Festival of Baroque Music, Indian National Theatre and the Iraq Babylon Great Theatre, amongst others.

In 2019, he was awarded the LATIN UK AWARDS for Musician of the Year and, in 2020, was assigned as a member of the Guild of Musicians & Singers. This same year he was awarded by the North & Midlands School of Music with an Honorary Fellowship, and, in 2021, with the honorary degree of Doctor of the University by JH Pestalozzi University. This was for his outstanding contribution to world music, both as performer and audio engineer.

Ignacio has produced an extensive array of recordings, including multiple albums at the iconic Abbey Roads Studios, in collaboration with the British Museum, Royal College of Music, and the Guildhall School of Music and Drama.

He has previously worked with the Latin American Baroque Festival of Buenos Aires and other festivals such as Ketevan World Sacred Music Festival (India) and London Strings Festival (UK).

ES:

Sinopsis: 

Una emocionante fusión de la pasión española con las melodías del Medio Oriente, donde el flamenco lleno de energía se combina con la música profunda del maqam. Ignacio Lusardi Monteverde y Baha Yektin, junto a Lourdes Fernández y Demi García Sabat, unen sus talentos para crear un encuentro musical entre Oriente y Occidente.

La mezcla de la guitarra española, el oud árabe y el zapateo flamenco no es tan sorprendente como parece. Los árabes llevaron su música a España hace siglos, influyendo en el desarrollo del flamenco tal como lo conocemos hoy.

En este concierto, los artistas presentan nuevas ideas musicales basadas en la música del Medio Oriente y el flamenco. Las piezas incluyen maqams, armonías andaluzas y ritmos del Medio Oriente, desde las antiguas culturas de Babilonia y la España medieval hasta los ritmos actuales. Este encuentro musical explora la historia compartida entre estas culturas y crea algo nuevo, lleno de belleza y fuerza.

Web: www.ignaciolusardimonteverde.co.uk

Instagram: @ignacio_lusardi_monteverde

Facebook: Ignacio Lusardi Monteverde Flamenco

The problem? One half of Andrea really needs to send an email. The other would rather sing, dance, cook, and track down the perfect tortilla recipe — just like mamá used to make. What begins as simple procrastination quickly spirals into a battle of head versus heart, productivity versus pleasure, and rules versus vibes.
This vibrant, high-energy show blends satire and cheeky cultural stereotyping into an inventive, engaging rollercoaster of identity confusion, domestic drama, and spicy existential questions like: “Do tapas even make sense?”
Beneath all the confetti, Chop-chop! is a heartfelt ode to the simple things — food, connection, family. It’s a celebration of our beautifully chaotic minds: the ones that trip us up, make us overthink, and ultimately lead us back to what really matters.
Expect audience interaction, sudden dance breaks, strong accents, and a whole lot of zest and effervescence. It’s silly. It’s heartfelt. It might even make you hungry.
So come for the giggles. Stay for the inner meltdown. Or vice versa. Either way, Chop-chop! will leave you laughing, questioning your calendar, and feeling a little more at home in your contradictions.

About Andrea Holland: 

Spanish and English, Andrea is an experienced native English and Spanish Castilian voice-over artist and actor based in London. Born and bred in Spain to a Spanish mother and English father, she can provide impeccable deliveries in both languages.

Andrea has a BA (Hons) in Acting from the Asturian School of Performing Arts (Spain), as well as a BA in English Studies and Communications from the University of Oviedo (Spain), and she has trained in Acting and Directing at the Porto Superior School of Arts (Portugal). From the start of her career Andrea has always had a true passion for voice acting noted for her appealing, dynamic and vibrant personas.

She specialises in commercials, character voices, narrations and documentaries in both Spanish Castilian and English. She has worked with a wide range of high-brow brands and high-profile clients, which has granted her the ability to adapt her voice to any kind of situation or production. Her voice is characterised for being incredibly easy on the ears and engaging with the listener. As an actor, Andrea has performed extensively in productions in the UK, Spain and Portugal. She also specialises in Physical Theatre: she has trained in the Lecoq Technique at London International School of Performing Arts and has been part of the first ever Gecko Theatre’s Artistic Professional Residency.

Andrea is also a passionate creator, she has co-created and co-directed an international project of women artists that culminated in the creation of the short film “Mulheres Que Sangran, Powered by Menstruation”. She is one of the founding members of the emerging female-led international physical theatre company: Volpe Theatre.

ES:

Sinopsis:

Es un proyecto que nació de dos intereses: la combinación entre arquitectura, movimiento, voz y mente, y el tema de la deshumanización. Además, mi amor por el texto Mr. President de Miguel Ángel Asturias y su lenguaje fue un desencadenante para explorar e incorporar. La idea inicial fue presentada a Festelon y el proyecto ganó el concurso en 2023, lo cual ha sido un viaje maravilloso. “Alumbra, lumbre de alumbre” se estrenó en Festelon 2024. El producto aún está en proceso de investigación; su dramaturgia y la investigación del movimiento aún tienen un largo camino por recorrer, ya que en este momento no contamo s con financiación y aspiramos a profundizar en una investigación adicional sobre la conexión entre mente, cuerpo y arquitectura para hablar de los límites que las personas imponen cuando las diferencias son mayores que la comprensión.

Es un relato poético sobre la relación entre los humanos y cómo nos tratamos mutuamente cuando hay diferencias. Es una obra de performance física, textual y sensorial en solitario, donde el sonido, la música, la voz y el movimiento están en continua comunicación a lo largo de la historia. Es un trabajo multirrol en el que la marionetería tiene un papel principal. La historia pretende ser un relato poético que aborda los conflictos internos con los que lidia un cerebro cuando se confrontan dos elementos opuestos y las elecciones que se pueden tomar. Es la encarnación de las limitaciones internas entre mostrar comportamientos deshumanizantes o humanizantes. Observamos la elección de crear un límite y sus consecuencias, como la aislamiento de las minorías y el riesgo de esencializar a los seres humanos en categorías.

También es un diálogo entre lo que se ve o no, y lo que está dentro y fuera. El público es otro personaje, es el testigo, y buscamos permitir que el público realice sus propias reflexiones desencadenadas por esos límites y por los que los separan del espacio al escenario.

Sobre Andrea Holland:

¡Hola! Me llamo Andrea Holland Vallejo y soy la creadora de Chop-chop! Soy una artista independiente bilingüe española e inglesa, nacida y criada en Asturias de madre asturiana y padre inglés. Soy actriz, escritora, facilitadora y locutora. Me gradué en la ESAD de Asturias (España) con un Grado en Interpretación Textual, y también me formé en la ESAP Porto (Portugal) en Interpretación y Dirección gracias a una beca Erasmus+. Además, he recibido formación en el mundo de la Interpretación con reconocidos profesionales de la talla de Verónica Forqué o Alberto Velasco. Y, también, soy Graduada en Estudios Ingleses con Minor en Comunicación por la Universidad de Oviedo.

Siempre he sentido una fuerte fascinación por el Teatro Físico y la creación colectiva, y por ello me formé en el curso “Teatro Físico y Performance: la Máscara y el Mito, el Cuerpo Poético y la Narración Colectiva” en London International School of Performing Arts (arthaus.berlin) en 2018. También formé parte de la primera Residencia Artística Profesional de la aclamada compañía de Teatro Físico: Gecko Theatre en el 2019.

A lo largo de mi carrera, he actuado en España, Portugal y Reino Unido, demostrando mi versatilidad y compromiso con el arte de la actuación en diversos entornos. Durante el confinamiento, co-creé y co-dirigí un cortometraje con un elenco internacional de artistas titulado “Mulheres Que Sangram, Powered by Menstruation”, reconocido en festivales como Zeitimplus Festival de Viena o en el Thessaloniki Free Short Festival de Grecia, donde fue nominado a Mejor Cortometraje dirigido por una Mujer. Además, soy una de las fundadoras de la compañía Internacional de Teatro Físico: Volpe Theatre, con la que estrenamos Hyena en Italia y en el VAULT Festival de Londres en 2023. También soy cofundadora de Herlight Theatre, una compañía de teatro cómico de creación colectiva. En 2023, estrenamos Queendom, un cuento moderno que desafía los estereotipos de género, en el Camden Fringe Festival de Londres. Mi trabajo, basado en la comedia de creación con perspectiva feminista, explora los temas de pertenencia e identidad, con el objetivo de provocar reflexión y risa simultáneamente, fomentando la conexión a través del humor.

Web: www.rebecasierra.com

Instagram: www.instagram.com/chopchop_show/

X: x.com/andree_holland

Projecte Ingenu:

In 2013 we began to work as a regular acting research and training group that had detected the need to prevent only the “market” from governing our artistic careers. We were born as a collective with the aim of merging professional work with personal development and the permanent investigation of a possible model for the contemporary actor.

We started to use the concept “slow theatre” to define ourselves. The Slow Movement addresses the issue of ‘lack of time’ through establishing connections with the human; our research as a collective is aimed at generating experiences which return us to the human dimension, which emphasize human relationships and their natural tempo.

The purpose is to build a space of “rest”, where the rush to solve a situation is not a valuable criterion. Therefore, we started the slow production of shows while staying on the sidelines of the standard tempo of production, while reformulating at the same time the way to continue acting training and community activities.

ES:

Sinopsis:

Una cosa es querer con la cabeza y otra cosa es que el cuerpo, ¡maldito sea el cuerpo! no nos responda”. Esta frase de YERMA resume también el principal conflicto de BODAS DE SANGRE. ¿Qué es el amor? ¿Una experiencia instintiva e irracional o calculada y racional? ¿Cuántas formas de amor son prohibidas por no encajar en las formas socialmente permitidas? ¿Dónde están los límites del amor?

Projecte Ingenu:

El 2013 comenzamos a trabajar como un grupo de entrenamiento e investigación actoral regular que había detectado la necesidad de impedir que sólo el “mercado” gobernara nuestras carreras artísticas. Nacíamos como colectivo con la voluntad de compaginar el trabajo profesional con la evolución personal y la investigación permanente de un modelo posible de actor contemporáneo.

Comenzamos a utilizar el concepto slowtheatre para definirnos. El movimiento Slow pretende abordar el problema de la «falta de tiempo» a través de establecer conexiones con lo humano; como colectivo, nuestra investigación está orientada a generar vivencias que nos devuelvan a la dimensión humana, que pongan énfasis en las relaciones humanas y el tempo natural de éstas.

La pretensión es construir un espacio de «reposo», donde la prisa por resolver una situación no sea un criterio válido. Así pues, iniciamos la producción slow de espectáculos manteniéndonos al margen del tempo estándar de producción, mientras reformulábamos la manera de seguir el entrenamiento actoral y las actividades comunitarias.

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 Our aim is to become the loudspeakers of a heritage, of words that are not ours, but that are also ours: to invoke them, to let them resonate on stage, in the audience, so they can do their work—transform us. We seek their utmost simplicity in order to approach the utmost truth.

And from these aesthetic premises, we will place the focus on the women of the drama. In Blood Wedding, the “young women” are the great victims: both the Bride and Leonardo’s Wife are victims of male violence, but also of the violence of the (patriarchal) “system.” And inevitably, they are also victims of their mothers, the “old women” who were once victims themselves. We are interested in their drama, their tragedy, in fact, because through their gaze we can still discern all the forms of violence we live, suffer, and perpetuate in our present. They hold a mirror up to us.

On her wedding day, during the feast, the Bride decides to escape on horseback with her true love: Leonardo. The author bases Bodas de sangre on a real fact (the crime committed in the Níjar farmhouse) to tell a tragic story about love and desire confronted with duty, honor and family interests.

Lorca portrays a brave woman who confronts her society to chase her own desire, her own dream, a claim that is still necessary today.

In 1936, fascism killed Federico García Lorca. At the age of 38 he had time enough to become the most important playwright in the history of Spain. Keeping his figure alive among the younger generations is a necessary task to stop the neo-fascism that threatens Europe and Spain again.

The passionate story of Bodas de Sangre, that is updated in our version, serves as a pretext to explain, also, the life and the death of Lorca himself.

A show when words are accompanied and sustained through song, electronic music, the body work and movement.

Projecte Ingenu:

In 2013 we began to work as a regular acting research and training group that had detected the need to prevent only the “market” from governing our artistic careers. We were born as a collective with the aim of merging professional work with personal development and the permanent investigation of a possible model for the contemporary actor.

We started to use the concept “slow theatre” to define ourselves. The Slow Movement addresses the issue of ‘lack of time’ through establishing connections with the human; our research as a collective is aimed at generating experiences which return us to the human dimension, which emphasize human relationships and their natural tempo.

The purpose is to build a space of “rest”, where the rush to solve a situation is not a valuable criterion. Therefore, we started the slow production of shows while staying on the sidelines of the standard tempo of production, while reformulating at the same time the way to continue acting training and community activities.

ES:

Sinopsis:

 Desde Progecte Ingenu, amamos a Lorca, sentimos que representándolo conectamos con algo profundo que viene de lejos, atávico, ancestral. Precisamente por eso, planteamos una nueva versión de Bodas de sangre donde dar espacio a la palabra y al cuerpo que la sostiene. Poco más. Pretendemos convertirnos en altavoces de un patrimonio, de unas palabras que no son nuestras, pero que también son nuestras: invocarlas, dejarlas resonar en el escenario, en la platea, para que hagan su trabajo, nos transformen. Buscar su máxima sencillez para acercarnos a la máxima verdad.

Y desde estos planteamientos estéticos, pondremos el foco en las mujeres del drama. En Bodas de sangre, las “mujeres jóvenes” son las grandes víctimas: tanto La Novia como La Mujer de Leonardo son víctimas de la violencia de los hombres, pero también de la violencia del “sistema” (patriarcal) e, inevitablemente, son también víctimas de sus madres, las mujeres “viejas” que fueron las víctimas, pero una vez fueron víctimas. Nos interesa su drama, su tragedia, de hecho, porque a través de su mirada podemos deducir aún todas las violencias que vivimos, sufrimos y provocamos en nuestro presente. Ellas nos hacen de espejo.

El mismo día de su casamiento, durante el banquete, La Novia decide escapar a caballo con su verdadero amor: Leonardo. El autor se basa en un hecho real (el crimen cometido en el Cortijo de Níjar) para explicar una historia trágica sobre el amor y el deseo enfrentados al deber, el honor y los intereses familiares. Lorca dibuja una mujer valiente que se enfrenta a su sociedad persiguiendo su deseo, una reivindicación que todavía hoy continúa siendo necesaria.

Bodas de sangre es la obra más famosa de Federico García Lorca. Es la primera parte de la conocida “Trilogía lorquiana” o “Tragedias rurales” (Bodas de sangre, Yerma y La casa de Bernarda Alba). En esta trilogía, Lorca parte de un aparente costumbrismo literario para dibujar una crítica moral de la España de su tiempo.

El talento desmesurado del autor hace que sus piezas se hayan convertido en clásicos universales, precisamente, porque han transcendido su propia época y sus propias circunstancias. Una de las características comunes de estas piezas es que las heroínas trágicas son siempre mujeres, cosa que demuestra que la mirada poética de Lorca es de una modernidad extrema.

Projecte Ingenu:

El 2013 comenzamos a trabajar como un grupo de entrenamiento e investigación actoral regular que había detectado la necesidad de impedir que sólo el “mercado” gobernara nuestras carreras artísticas. Nacíamos como colectivo con la voluntad de compaginar el trabajo profesional con la evolución personal y la investigación permanente de un modelo posible de actor contemporáneo.

Comenzamos a utilizar el concepto slowtheatre para definirnos. El movimiento Slow pretende abordar el problema de la «falta de tiempo» a través de establecer conexiones con lo humano; como colectivo, nuestra investigación está orientada a generar vivencias que nos devuelvan a la dimensión humana, que pongan énfasis en las relaciones humanas y el tempo natural de éstas.

La pretensión es construir un espacio de «reposo», donde la prisa por resolver una situación no sea un criterio válido. Así pues, iniciamos la producción slow de espectáculos manteniéndonos al margen del tempo estándar de producción, mientras reformulábamos la manera de seguir el entrenamiento actoral y las actividades comunitarias.

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Eugène Ionesco performed La Canta Calva (La cantatrice chauve) in May 1950 for the first time with the Théátre des Noctambles company.

In October 2025, Ay de mí will perform it again at this venue.

The two English couples, who lived in the suburbs of London, now have Spanish names and live in Madrid. They don’t wear nice suits and skirts from the 50s, but clothes bought in department stores.

Those actors and our actors are separated by three quarters of a century. Many things have changed… but have they really changed?

The theatre of the absurd confronts us with ourselves, it is a mirror in which we can look at ourselves and recognise the ridiculousness of our existence. Everyday life absorbs us, it shakes us up and gets us into a tornado of superficiality from which it is impossible to get out. It seems that something or someone is holding us back. Are we capable of getting out of our confinement or are we condemned to live like this forever? What does what we say mean? What do the gestures we make mean?

Are we someone or are we just puppets?

ES:

Sinopsis:

La Cantante Calva retrata la vida cotidiana de un matrimonio inglés en las afueras de Londres. La pareja está esperando a sus invitados, que llegan tarde a la cena, por lo que han decidido empezar a comer. A través de diálogos satíricos y situaciones absurdas, los personajes intentan comunicarse, sin éxito, dejando entrever una parodia de la sociedad y una crítica de la humanidad. Nuestra propuesta actualiza la obra en el Madrid actual.

Eugène Ionesco estrenó La Canta Calva (La cantatrice chauve) en mayo de 1950 con la compañía Théátre des Noctambles.

En octubre de 2025, Ay de mí la representará de nuevo en este mismo escenario.

Las dos parejas inglesas, que vivían en las afueras de Londres, ahora tienen nombres españoles y viven en Madrid. No visten trajes y faldas elegantes de los años 50, sino ropa comprada en grandes almacenes.

Esos actores y nuestros actores están separados por tres cuartos de siglo. Muchas cosas han cambiado… pero ¿realmente han cambiado?

El teatro del absurdo nos enfrenta a nosotros mismos, es un espejo en el que podemos mirarnos y reconocer lo ridículo de nuestra existencia. La vida cotidiana nos absorbe, nos sacude y nos mete en un torbellino de superficialidad del que es imposible salir. Parece que algo o alguien nos retiene. ¿Somos capaces de salir de nuestro encierro o estamos condenados a vivir así para siempre? ¿Qué significan nuestras palabras? ¿Qué significan nuestros gestos?

¿Somos alguien o solo marionetas?

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Conciencia is brought to you by Jamie McGough and Stephen O’Flynn. Jamie is best known for his popular and critically acclaimed play – Fighting Irish – which premiered at the Belgrade Theatre during the 2021/22 UK City of Culture programme. Stephen is a talented debut writer who has lived in Spain for over twenty years. They are working with Valencia Stage Society to bring this timely play to audiences in London.

ES:

Sinopsis:

En el programa ficticio “España en el Mundo”, entrevistan a Michael, periodista de El País in English, para conocer su opinión sobre la vida en España. Lo que comienza como una charla ligera sobre costumbres y experiencias cotidianas, pronto da un giro inesperado: Michael termina hablando de las dificultades que atravesó durante un complicado año 2024.

Instagram:@valenciastagesociety

His music is anchored on three core pillars: percussion, flamenco, and minimalism. These elements are artfully integrated into a unique, personal style that consistently challenges the boundaries of the piano. Each piece carries within it a treasury of memories and narratives that find their home on the keyboard.

Jorge Bedoya:

Jorge Bedoya is a multidisciplinary artist who has developed a unique concept. Thanks to his virtuoso piano skills and the perfect combination with a touch of humour between pieces, he creates a unique experience that leaves the audience thrilled and generates a very special connection with the public.

Pianist, composer, and actor born in 1986 in Oviedo. From a very young age, he had a clear calling for the piano. He began his studies at the age of 10 at the Amaniel Professional Conservatory in Madrid and has been making the keys resonate ever since. He balanced his musical studies with acting, graduating from the Royal School of Dramatic Arts in Madrid. A multidisciplinary artist who has offered numerous concerts in Spain and has had the opportunity to showcase his works in various parts of the world. His most intimate venture is “Las Manos”, a heartfelt performance where he embarks on an emotional journey through his compositions. In 2023 he releases his latest album “Cuna de Sal”.

ES:

Sinopsis:

Es un monólogo que recoge sus piezas a través de un viaje con el público donde transita tanto con el piano como con la palabra, combinando humor y drama.

Jorge Bedoya:

Jorge Bedoya, es un artista multidisciplinar que ha desarrollado un concepto único, gracias a su virtuosismo en el piano y la combinación perfecta con notas de humor entre pieza y pieza, crea una experiencia única dejando a la audiencia maravillada y generando una conexión especial con el público.

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Spotify: https://open.spotify.com/intl-es/artist/0R2kSTztABTzv9dL3FJ2MP?si=aTW5lhuGThG6KSrVlJBsAw

The structure of each session will consist of the following: brief biographical notes on the poet under discussion, an outline of the principal characteristics of her poetic style, the analysis of a representative poem, and a presentation of selected titles from her oeuvre.

Registered participants will be provided with a dossier containing the poems to be analyzed. Theoretical explanations will be complemented by a PowerPoint presentation designed to support and expand upon the textual commentary.

Concha Garcia: 

Born in La Rambla (Córdoba) on April 29, she lives between Barcelona and Córdoba (Spain). She is the author of numerous poetry collections, including Desdén (Libertarias, 1987), Ya nada es rito (Barcarola Prize, 1988), Pormenor (Libertarias, 1990), Ayer y calles (Visor, 1985), Acontecimiento (Tusquets, 2008), El día anterior al momento de quererle (Calambur, 2013), Las proximidades (Calambur, 2016), Vasta sed (Cántico, 2020), Cuota de mal (Huerga y Fierro, 2022), and Lugares (El Toro de Barro, 2024). Her collected works, Ya nada es rito y otros poemas (1997–2003), were republished by Dilema in 2017.

She has also authored several collections of essays on poetry published by different presses and newspapers, among them: La Lejanía (2013), Cuaderno de Montevideo (2013), Los antiguos domicilios (2015), Desvío a Buenos Aires (2019), El vértigo horizontal (2023), and Los años divididos (2024).

Her poetry has been recognized with awards such as the Universidad de León Prize, the Barcarola Prize, the Jaime Gil de Biedma Prize, the Dama de Baza Prize, and the Equality Award from the Provincial Council of Córdoba (2023). She has also coordinated two anthologies of Patagonian poetry published in Spain.

García has been invited to poetry conferences and festivals in Buenos Aires, Montevideo, Comodoro Rivadavia, Neuquén, Bariloche, Austin, New York, Zacatecas, Winston-Salem, Los Angeles, Florence, Rome, Fez, Manchester, Sète, as well as in numerous Spanish cities.

She currently directs the poetry series La hora de la estrella for Cántico Press. In addition, she has published several critical essays on women’s poetry, including Asomos de luz (2013), Miradas en los entresijos. Percepciones alrededor de poemas escritos por mujeres (Libros de la Resistencia, 2020), and Bajo la luz de la lámpara (2023).

Marisa Calero:

Born in Azuaga (Badajoz, 1956). She has served as Professor of Linguistics at the University of Córdoba (UCO), where her research and publications have focused on the history of linguistics, artificial languages, ideology and language, linguistic sexism, and digital discourse, among other topics. She was co-founder and President of the Spanish Society for Linguistic Historiography, as well as Vice-Rector for Faculty Affairs, Director of the Department of Language Sciences, and Director of the Women’s Studies Chair at the same university.

She is the author of the poetry collection Por la acera del viento (Cántico, 2023) and has contributed poems to anthologies such as Voces nuevas (Torremozas, 1996), Autorretratos poéticos (Cuadernos del Laberinto, 2024), and Ríos de Historia – Caudales que conectan identidades (Diputación de Córdoba, 2024). Together with Concha García, she coordinated the poetry encounter Poesía transeúnte Barcelona-Córdoba (2024). She has also published micro-stories in anthologies such as El tren de los desterrados (Fundación de los Ferrocarriles Españoles, 1997) and aphorisms in Laberinto breve de la imaginación (Cuadernos del Laberinto, 2021). She was a finalist for the 11th Antonio Machado Short Story Prize (1987) and won First Prize in the 1st “Ángeles Álvarez Arazola” Literary Contest of Microfiction (2021).

Her contributions to feminist movements have been recognized with the “Córdoba en Igualdad” Award from the Provincial Council of Córdoba (2018 and 2019) and the “Menina Andalucía” Award for the fight against gender-based violence (2019).

ES:

Descripción:

Vamos a conocer, mediante el análisis de seis poemas en lengua española, los artificios que esconde la poesía, como son el sujeto poético, el ritmo, el espacio y el tiempo. Nuestra selección incluye los nombres de las poetas Blanca Varela, Gloria Fuertes, Ida Vitale, Dionisia García, Olga Orozco y Concha García.

La secuencia de las explicaciones será la siguiente: notas biográficas de la poeta en cuestión, características de su poesía, ejemplo de un poema (con comentario), títulos selectos de su obra poética.

Se entregará a las personas inscritas un dossier con los poemas que serán comentados  en el taller. Se utilizará como complemento a las explicaciones teóricas una proyección de los contenidos en power point.

Concha Garcia: 

Nació en La Rambla (Córdoba) el 29 de abril. Vive entre Barcelona y Córdoba (España).

Autora de varios libros de poesía. Entre ellos: Desdén (Libertarias, 1987), Ya nada es rito (Premio Barcarola 1988), Pormenor (Libertarias, 1990), Ayer y calles (Visor, 1985), Acontecimiento (Tusquets, 2008),  El día anterior al momento de quererle (Calambur, 2013), Las proximidades (Calambur, 2916), Vasta sed (Cántico, 2020), Cuota de mal (Huerga y Fierro, 2022) y Lugares (El toro de barro, 2024). Su obra reunida Ya nada es rito y otros poemas (1997-2003) ha sido reeditada (Dilema, 2017).

Autora de ensayos sobre poesía en diversas editoriales  y diarios: La Lejanía (2013), Cuaderno de Montevideo (2013), Los antiguos domicilios (2015), Desvío a Buenos Aires (2019), El vértigo horizontal (2023), Los años divididos (2024).

Ganadora de los premios: Universidad de León, Barcarola, Jaime Gil de Biedma, Dama de Baza, Igualdad de la Diputación de Córdoba en 2023. Coordinadora de dos antologías de poesía de la Patagonia argentina, editadas en España. 

Ha sido invitada a congresos de poesía en Buenos Aires, Montevideo, Comodoro Rivadavia, Neuquén, Bariloche, Austin, Nueva York, Zacatecas, Winston-Salem, Los Ángeles, Florencia, Roma, Fez, Manchester,  Sète, así como en diversas ciudades españolas.

Dirige la colección de poesía La hora de la estrella de la editorial Cántico.

Ha publicado los ensayos sobre poesía escrita por mujeres: Asomos de luz (2013), Miradas en los entresijos. Percepciones alrededor de poemas escritos por mujeres (Libros de la Resistencia, 2020), Bajo la luz de la lámpara (2023).

Marisa Calero:

Nacida en Azuaga (Badajoz, 1956). Ha ejercido como Catedrática de Lingüística en la Universidad de Córdoba (UCO), donde ha investigado y publicado sobre historia de la lingüística, lenguas artificiales, ideología y lenguaje, sexismo lingüístico y discursos electrónicos, entre otros temas. Ha sido cofundadora y Presidenta de la Sociedad Española de Historiografía Lingüística, Vicerrectora de Profesorado, Directora del Departamento de Ciencias del Lenguaje y Directora de la Cátedra de Estudios de las Mujeres de la misma Universidad.

Ha publicado el poemario Por la acera del viento (Cántico, 2023) y algunos poemas en antologías como Voces nuevas (Torremozas, 1996), Autorretratos poéticos (Cuadernos del Laberinto, 2024), Ríos de Historia –Caudales que conectan identidades– (Diputación de Córdoba, 2024). Coordinadora, junto con Concha García, del encuentro Poesía transeúnte Barcelona-Córdoba (2024). Ha publicado microrrelatos en antologías como El tren de los desterrados (Fundación de los Ferrocarriles Españoles, 1997) y algunos aforismos en Laberinto breve de la imaginación (Cuadernos del Laberinto, 2021). Finalista del XI Premio de Narraciones Breves Antonio Machado (1987) y Primer Premio del I Certamen Literario de Microrrelatos “Ángeles Álvarez Arazola” (2021). 

Premio de la Diputación de Córdoba “Córdoba en Igualdad” en el movimiento feminista (2018 y 2019) y Premio “Menina Andalucía” contra la violencia de género (2019).

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Two feisty, transgressive women. Two women who depended on each other… An intense piece that promises to give the audience no respite, based on an exquisite text by Pepe Cibrián, masterfully brought to life by this acting duel between Nacho Guerreros and Nicolás Pérez Costa. Passion, intrigue, tenderness, emotion, truth, intensity… theatre in its purest form.

ES:

Sinopsis:

Teatro en su estado más puro. El encuentro que nunca fue…pero que debió haber sido. Isabel I de Inglaterra y María Estuardo. Dos reinas… Dos reinos… La lucha por un trono. Un encuentro que nunca existió. Una sentencia de muerte postergada. La feminidad y la masculinidad del poder através de dos mujeres antológicas: Isabel I de Inglaterra y María Estuardo. Dos mujeres luchadoras y transgresoras. Dos mujeres que dependían una de la otra. Una pieza intensa que no da tregua al público Un texto exquisito de Pepe Cibrian. Un magistral duelo actoral entre Nacho Guerreros y Nicolás Perez Costa. Pasión, intrigas, ternura, emoción, verdades, intensidad…

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X (Twitter): @eltiocaracoles

Concha Garcia: 

Born in La Rambla (Córdoba) on April 29, she lives between Barcelona and Córdoba (Spain). She is the author of numerous poetry collections, including Desdén (Libertarias, 1987), Ya nada es rito (Barcarola Prize, 1988), Pormenor (Libertarias, 1990), Ayer y calles (Visor, 1985), Acontecimiento (Tusquets, 2008), El día anterior al momento de quererle (Calambur, 2013), Las proximidades (Calambur, 2016), Vasta sed (Cántico, 2020), Cuota de mal (Huerga y Fierro, 2022), and Lugares (El Toro de Barro, 2024). Her collected works, Ya nada es rito y otros poemas (1997–2003), were republished by Dilema in 2017.

She has also authored several collections of essays on poetry published by different presses and newspapers, among them: La Lejanía (2013), Cuaderno de Montevideo (2013), Los antiguos domicilios (2015), Desvío a Buenos Aires (2019), El vértigo horizontal (2023), and Los años divididos (2024).

Her poetry has been recognized with awards such as the Universidad de León Prize, the Barcarola Prize, the Jaime Gil de Biedma Prize, the Dama de Baza Prize, and the Equality Award from the Provincial Council of Córdoba (2023). She has also coordinated two anthologies of Patagonian poetry published in Spain.

García has been invited to poetry conferences and festivals in Buenos Aires, Montevideo, Comodoro Rivadavia, Neuquén, Bariloche, Austin, New York, Zacatecas, Winston-Salem, Los Angeles, Florence, Rome, Fez, Manchester, Sète, as well as in numerous Spanish cities.

She currently directs the poetry series La hora de la estrella for Cántico Press. In addition, she has published several critical essays on women’s poetry, including Asomos de luz (2013), Miradas en los entresijos. Percepciones alrededor de poemas escritos por mujeres (Libros de la Resistencia, 2020), and Bajo la luz de la lámpara (2023).

Marisa Calero:

Born in Azuaga (Badajoz, 1956). She has served as Professor of Linguistics at the University of Córdoba (UCO), where her research and publications have focused on the history of linguistics, artificial languages, ideology and language, linguistic sexism, and digital discourse, among other topics. She was co-founder and President of the Spanish Society for Linguistic Historiography, as well as Vice-Rector for Faculty Affairs, Director of the Department of Language Sciences, and Director of the Women’s Studies Chair at the same university.

She is the author of the poetry collection Por la acera del viento (Cántico, 2023) and has contributed poems to anthologies such as Voces nuevas (Torremozas, 1996), Autorretratos poéticos (Cuadernos del Laberinto, 2024), and Ríos de Historia – Caudales que conectan identidades (Diputación de Córdoba, 2024). Together with Concha García, she coordinated the poetry encounter Poesía transeúnte Barcelona-Córdoba (2024). She has also published micro-stories in anthologies such as El tren de los desterrados (Fundación de los Ferrocarriles Españoles, 1997) and aphorisms in Laberinto breve de la imaginación (Cuadernos del Laberinto, 2021). She was a finalist for the 11th Antonio Machado Short Story Prize (1987) and won First Prize in the 1st “Ángeles Álvarez Arazola” Literary Contest of Microfiction (2021).

Her contributions to feminist movements have been recognized with the “Córdoba en Igualdad” Award from the Provincial Council of Córdoba (2018 and 2019) and the “Menina Andalucía” Award for the fight against gender-based violence (2019).

ES:

Sinopsis:

Se recitará una selección de, aproximadamente, 30 poemas de las autoras acerca de la naturaleza como bien común de este planeta, con acompañamiento musical.

Concha Garcia: 

Nació en La Rambla (Córdoba) el 29 de abril. Vive entre Barcelona y Córdoba (España).

Autora de varios libros de poesía. Entre ellos: Desdén (Libertarias, 1987), Ya nada es rito (Premio Barcarola 1988), Pormenor (Libertarias, 1990), Ayer y calles (Visor, 1985), Acontecimiento (Tusquets, 2008), El día anterior al momento de quererle (Calambur, 2013), Las proximidades (Calambur, 2916), Vasta sed (Cántico, 2020), Cuota de mal (Huerga y Fierro, 2022) y Lugares (El toro de barro, 2024). Su obra reunida Ya nada es rito y otros poemas (1997-2003) ha sido reeditada (Dilema, 2017).

Autora de ensayos sobre poesía en diversas editoriales y diarios: La Lejanía (2013), Cuaderno de Montevideo (2013), Los antiguos domicilios (2015), Desvío a Buenos Aires (2019), El vértigo horizontal (2023), Los años divididos (2024).

Ganadora de los premios: Universidad de León, Barcarola, Jaime Gil de Biedma, Dama de Baza, Igualdad de la Diputación de Córdoba en 2023. Coordinadora de dos antologías de poesía de la Patagonia argentina, editadas en España.

Ha sido invitada a congresos de poesía en Buenos Aires, Montevideo, Comodoro Rivadavia, Neuquén, Bariloche, Austin, Nueva York, Zacatecas, Winston-Salem, Los Ángeles, Florencia, Roma, Fez, Manchester, Sète, así como en diversas ciudades españolas.

Dirige la colección de poesía La hora de la estrella de la editorial Cántico.

Ha publicado los ensayos sobre poesía escrita por mujeres: Asomos de luz (2013), Miradas en los entresijos. Percepciones alrededor de poemas escritos por mujeres (Libros de la Resistencia, 2020), Bajo la luz de la lámpara (2023).

Marisa Calero:

Nacida en Azuaga (Badajoz, 1956). Ha ejercido como Catedrática de Lingüística en la Universidad de Córdoba (UCO), donde ha investigado y publicado sobre historia de la lingüística, lenguas artificiales, ideología y lenguaje, sexismo lingüístico y discursos electrónicos, entre otros temas. Ha sido cofundadora y Presidenta de la Sociedad Española de Historiografía Lingüística, Vicerrectora de Profesorado, Directora del Departamento de Ciencias del Lenguaje y Directora de la Cátedra de Estudios de las Mujeres de la misma Universidad.

Ha publicado el poemario Por la acera del viento (Cántico, 2023) y algunos poemas en antologías como Voces nuevas (Torremozas, 1996), Autorretratos poéticos (Cuadernos del Laberinto, 2024), Ríos de Historia –Caudales que conectan identidades– (Diputación de Córdoba, 2024). Coordinadora, junto con Concha García, del encuentro Poesía transeúnte Barcelona-Córdoba (2024). Ha publicado microrrelatos en antologías como El tren de los desterrados (Fundación de los Ferrocarriles Españoles, 1997) y algunos aforismos en Laberinto breve de la imaginación (Cuadernos del Laberinto, 2021). Finalista del XI Premio de Narraciones Breves Antonio Machado (1987) y Primer Premio del I Certamen Literario de Microrrelatos “Ángeles Álvarez Arazola” (2021).

Premio de la Diputación de Córdoba “Córdoba en Igualdad” en el movimiento feminista (2018 y 2019) y Premio “Menina Andalucía” contra la violencia de género (2019).

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With sell out tours in theatres and clubs around Europe, viral success with comedy songs and sketches online, and TV appearances on BBCs Live At The Apollo, Have I Got News For You, and Comedy Central, Ignacio has cemented his position as Spain’s Best Export.

Don’t miss this explosively funny show, filled with sharp wit, sarcasm and silliness.

Web: comedylopez.com

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This performance merges spoken word and music to delve into these memorable authors’ life stories and legacies, highlighting the themes of sisterhood, resilience, freedom, and the courage it took for women of that era to pursue writing—a bold endeavour.

​Designed with universal accessibility in mind, the show creates an intimate setting to convey the profound messages in these classical stories and poems. Utilizing live narrations, a sound visualizer, and subtitles, ensures an inclusive experience for visually and hearing-impaired individuals, and international audiences. The goal is to shatter barriers and elevate the overall theatrical experience.

AURIC:

Founded by the Arts Council England, AURIC mission’s is to reinvent classical theatre for diverse audiences today. Our shows blend poetry from the Spanish Golden Age in translation, with melodies of contemporary world music. The tales we are reimagining draw inspiration from the ‘tres culturas,’ a time in Spain when Jewish, Muslim, and Christian communities coexisted in peace. They resonate profoundly with the challenges and joys we face today. By reinventing these timeless legacies, we aspire to celebrate the universality of classics. Our goal is to bring audiences together, transcending borders such as language and cultural barriers, mobility issues, or sensorial limitations. AURIC presents multilingual, transdisciplinary live performances and workshops to connect us all.

Paula Rodríguez:

is an award-winning Spanish actress and director based in London and working internationally. Paula is also a translator, writer, and producer. As an artist, she is interested in re-visiting Spanish classics for modern anglophone audiences, by collaborating with diverse artists from multidisciplinary backgrounds. She is the cofounder of Teatro Inverso: their two shows ROSAURA and WONDERS have toured the USA, Latin America, and Europe since 2015.

Arthur Astier:

is a French composer and musician. He explores different styles of expression such as performance installations, theatre, immersive performance and film. He has worked alongside international artists such as Peter Brook, Christian Boltanski and Frank Krawczyk. He was part of Brook’s production of The Suit, which premiered at The Young Vic.

ES:

Sinopsis: 

Éxtasis Místico gira en torno a una selección de textos clave de autoras del Siglo de Oro. La puesta en escena, centrada en la palabra, plantea un diálogo entre el verso clásico y la música contemporánea, entre pasado y presente, en el que melodías y versos amplifican las voces de estas mujeres memorables. Santa Teresa de Jesús, Sor Juana Inés de la Cruz, Ana Caro de Mallén, María de Zayas y Sor Ana de San Bartolomé nos hablan hoy de su lucha que fue tanto íntima como pública, para enviarnos un mensaje de fortaleza y libertad. Esta representación bilingüe (castellano/inglés) con sobretítulos, es accesible para personas con discapacidad auditiva o visual y ha sido concebida a través del Diseño Universal, enriqueciendo la propuesta artística y favoreciendo la experiencia de todos los públicos.

AURIC:

El proyecto AURIC, apoyado por ACE (Inglaterra), tiene como misión reinventar el teatro clásico para audiencias diversas en la actualidad. Nuestros espectáculos fusionan poesía de la Edad de Oro Española en traducción, con melodías contemporánea. Las historias que estamos reimaginando toman inspiración de las ‘tres culturas’, un tiempo en el que las comunidades judía, musulmana, y cristiana coexistían en paz, resonando profundamente con los desafíos y alegrías que enfrentamos hoy. Al reinventar estos legados atemporales, celebramos la universalidad de los clásicos. Nuestra meta es unir a las audiencias, superando barreras como el idioma, las diferencias culturales, problemas de movilidad, o limitaciones sensoriales. AURIC presenta actuaciones y talleres, multilingües y transdisciplinarios, con el objetivo de conectarnos a todos.

Paula Rodríguez:

 es un actriz y directora con sede en Londres, trabaja internacionalmente. Paula también es traductora, escritora y productora. Su trabajo artístico se centra en adaptar clásicos españoles para audiencias internacionales. Paula es la directora de Our New Gold, Festival international de Storytelling Digital. Es cofundadora de Teatro Inverso: sus dos espectáculos ROSAURA y WONDERS han realizado gira por Estados Unidos, Latino-américa y Europa desde 2015.

Arthur Astier:

es un compositor y músico francés. Explora diferentes estilos de expresión como instalaciones, performance, teatro, performance participativa y cine. Ha trabajado junto a artistas internacionales como Peter Brook, Christian Boltanski y Frank Krawczyk. Formóparte de la producción de Brook de The Suit, que se estrenóen The Young Vic.

Web: www.paularodriguezact.com/auric

Instagram: @paularodriguezsoy

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X (Twitter): @paulaophelia

London. This festival is the result of the tireless work of its director and a magnificent team of professionals who have developed a vital project for Spanish culture. Hopefully, more institutions will soon join to collaborate with a space that has proven to be necessary for the dissemination of our culture and is already becoming one of the key international events for our theater. Long life to FesTeLõn.